Top 5 des critères d'un jury d'auditions en école de théâtre - Comment vous différencier

thomassallettaz
8 août 2025
17 min de lecture

Dernière mise à jour : 26 mars

Cet article est la troisième partie d'une série de cinq à propos des auditions dans les écoles de théâtre au Québec:

Articles - Les auditions dans les écoles de théâtre

Première partie: Les trois essentiels - Le coach, les scènes, la réplique

Deuxième partie: Les critères spécifiques des scènes d'auditions

Troisième partie: Les critères du jury d'audition. (Vous êtes ici)

Quatrième partie: Précisions sur les auditions et anecdotes importantes.

Cinquième partie: Le stress des auditions dans les écoles de théâtre

Bonus: Présentation des écoles de théâtre du Québec

Lorsque l'on passe ses auditions pour les écoles de théâtre, les critères du jury nous sont souvent inconnus. En plus, aucun retour ne nous est fait après avoir passé chaque étape d'audition, on n'a donc aucune idée de ce qui fait qu'on est accepté ou refusé.

Cet article est là pour faire un tour d'horizon complet des critères les plus importants pour le jury d'audition, et comment adapter votre préparation si vous souhaitez intégrer ces éléments à votre jeu, et vous différencier suffisamment pour être sélectionnés!

Si vous avez des questions à ce sujet, ou si vous voulez réserver un appel gratuit de 20 minutes pour discuter des auditions, n'hésitez pas à me contacter.

Notes:

Ce sont des critères qui peuvent varier d'un professeur à l'autre, d'une école à l'autre, mais qui reviennent la plupart du temps et de manière générale.

Ces critères proviennent de vrais commentaires de personnes présentes dans le jury de différentes écoles depuis plusieurs années et jusqu'encore récemment en 2026. Il ne s'agit pas du fruit de mon imagination.

Sommaire

I- Osez

II- L'écoute

III- La spontanéité

IV- Le monde du personnage

V- La passion

VI-Conclusion

Critère 1 - Osez! - Le critère principal d'un jury pour les auditions dans une école de théâtre

Pour un jury, que ce soit durant les rondes préliminaires ou pendant le stage, c'est ce qu'ils regardent en premier la plupart du temps: est ce que vous osez, ou vous ne vous montrez pas trop par peur de ne pas être parfait?

La personne qui ose, qui tente, qui fonce. Qui ne réfléchit pas, qui agit, essaye, se présente.

La plupart du temps, les auditions sont très stressantes pour les candidats. Et le jour de l'audition, la vague du trac peut faire chavirer le radeau de l'assurance.

Il est donc très important que vous n'hésitiez pas à foncer! Jouez libérés, jouez avec cœur! Ne pensez plus à votre mise en scène: vivez l'instant présent.

Je rappelle une nouvelle fois ce que j'écris à propos des auditions dans les écoles de théâtre: ils veulent voir le diamant brut en vous! Et un diamant brut… c'est encore imparfait. Ne pensez pas à la partie parfaite (la perfection n'existe pas en art) : laissez plutôt sortir la partie diamant.

Le jury va vivre avec vos petites imperfections si vous osez vous montrer, essayer, tenter.

De la même manière, si vous vous retenez, que vous voulez absolument être "parfaits", ou tentez simplement de "survivre" l'expérience au lieu de la vivre, vous prenez le risque que votre scène soit "ordinaire", ou encore "sympathique mais sans plus". C'est une opportunité manquée.

Ne vous concentrez donc pas sur le fait de bien paraître: c'est le meilleur moyen de moins bien paraître. Au lieu de ça, votre concentration doit se diriger sur d'autres aspects, et votre préparation en vue des auditions doit prendre en compte les éléments décrits dans cet article.

Je décris ces autres aspects dans l'article sur le stress des auditions. J'y aborde davantage comment canaliser son stress, la préparation avant l'audition, quoi faire pendant, comment agir après, et certains points complémentaires au sujet de la méthode de jeu.

Je vous invite à lire les critères du jury d'abord, avant de continuer sur l'article du stress des auditions.

Ainsi vous aurez les différenciants à retenir, présentés ici, qui vous permettront d'orienter votre préparation plus efficacement. Puis vous pourrez avoir une idée plus précise de comment appliquer concrètement votre processus le jour de l'audition, malgré la pression.

Évidemment, toute cette théorie, bien que très utile, ne remplace pas la pratique. Ce sont des habitudes de travail à prendre.

Vous souhaitez en bout de ligne que tous ces aspects puissent être tellement intégrés en vous qu'ils deviennent des outils à votre service, que vous pourrez utiliser le jour de l'audition à votre guide, selon les besoins du moment présent.

C'est l'avantage d'une longue préparation: permettre à votre jeu de s'améliorer sans cesse, pour vous servir non seulement le jour de la première audition, mais les suivantes aussi. Et pour toute votre carrière par la suite.

Car ces critères ne sont pas simplement bons pour les auditions des écoles de théâtre, mais pour un casting professionnel également! (Évidemment le physique compte bien davantage lors de castings professionnels. Pour les écoles, ce n'est pas un critère.)

Anecdote:

J'ai moi-même assisté à une audition au Conservatoire en 2022. J'y ai notamment vu la présentation d'une scène conjointe. Un homme, une femme:

-La femme était ouverte, disponible, à l'écoute, vivait dans son monde.

-L'homme lui, était "figé". Il voulait davantage suivre la mise en scène répétée que d'échanger vraiment avec sa partenaire. Et ce dans les deux scènes.

On dit souvent que les juges ont déjà un avis au bout de 30 secondes d'audition. Même si ça peut quand même changer ou fluctuer selon les candidats ou les scènes, cette audition conjointe a donné raison à la rumeur.

Elle a été prise au stage, lui n'a pas été retenu.

En résumé:

Oser, c'est la pièce centrale de toute sélection d'un candidat au tour suivant.

Une trop grande volonté de bien faire, mettre un fein à sa liberté d'expression pour tenter d'être parfait, vouloir bien "paraître": tout ceci constitue le plus grand piège pour une majorité de candidats.

Certains d'entre eux vont se concentrer sur la mise en place, la diction, bien se déplacer, avoir le corps face public… tout sauf vivre le moment présent, écouter, réagir, et plonger dans le monde du personnage.

Dites-vous bien: le pire endroit pour se cacher, c'est sur scène!

Trouvez des scènes qui sont faites pour vous, et qui vous permettront de vous engager avec facilité. De montrer toutes vos facettes avec aisance, liberté et... plaisir.

Si vous ne l'avez pas déjà lu, consultez mon article à propos des scènes d'auditions, pour prendre connaissance des critères de chaque école et des conseils spécifiques sur ce choix crucial.

Maintenant que le premier critère est établi, voyons ce qui doit être intégré à votre jeu pour vraiment faire la différence le jour J.

Coaching pour les écoles de théâtre avec Thomas Sallettaz — Préparez vos auditions de manière optimale avec un coaching efficace!

Critère 2 - L'écoute - Le maillon faible des candidats

Au Québec, les auditions dans les écoles de théâtre francophones se font avec des scènes dialoguées, pour permettre au jury de mesurer la profondeur de votre écoute.

C'est pour moi la chose la plus importante à travailler. Les acteurs novices ont tendance à ne pas vraiment écouter, en situation de jeu.

Parfois on a l'impression qu'on écoute, mais en réalité, on entend seulement et on anticipe.

Voici trois points pour optimiser l'écoute, appliqué aux auditions dans les écoles de théâtre:

1-Trouver une réplique investie et engagée

Avoir une réplique fiable, engagée, investie, qui connaît son texte, est un avantage majeur.

Travailler en duo, en coopération: idéalement votre réplique n'est pas uniquement là que pour vous rendre service passivement mais prend du plaisir à s'engager dans le jeu.

Une réplique qui s'applique aussi à vous écouter rendra la scène bien plus vivante, plus simple, vous permettant de pouvoir réagir à ce que l'autre fait plus facilement.

Dans le cas d'une audition conjointe, votre réplique correspond normalement à cette description, vu que l'enjeu est là pour elle aussi.

Pour une audition solo, la réplique n'est pas obligée d'avoir le meilleur jeu, tant qu'elle est ouverte et engagée!

Le jour de l'audition, la préparation avec votre réplique est très importante: connectez, écoutez-vous, partagez. Profitez de votre réchauffement physique, de vos italiennes, pour faire une préparation à deux, même lors d'une audition solo.

Pour cela, pensez à arriver à l'avance!

2-Parlez vraiment à la personne en face de vous, pas au personnage.

C'est là que les acteurs débutants ont parfois du mal. La distinction est pourtant très importante.

Quand vous jouez, vous le faites de votre point de vue. C'est à dire que la sensation, lorsque l'on est dans l'état de flow (j'explique ce que c'est dans l'article sur le stress), lorsqu'on écoute, qu'on est spontané, que l'on se plonge dans les circonstances imaginaires du monde du personnage, et qu'on explore: c'est que c'est vous!

Une version modifiée de vous-même, certes - on y reviendra. Mais c'est vous qui parlez. Ce n'est pas "votre personnage" qui parle.

De la même manière, vous parlez à votre partenaire, et non pas à votre idée préconçue de son personnage.

En écoutant pour de vrai ce que votre partenaire vous dit, en cherchant les subtilités dans le regard, dans son expression, dans l'énergie qu'elle dégage, sans anticiper, sans réfléchir, puis en réagissant spontanément à tout ce que vous percevez dans le moment, c'est là que vous allez développer et exprimer un jeu vrai, sans artifice.

Des exercices comme la répétition de la technique Meisner (bien enseignée) permettent, par exemple, de développer l'écoute et la réaction. Ces exercices doivent se travailler en coaching, puis chez vous par la suite.

C'est un art qui se pratique!

3-Garder une posture d'ouverture, et ne pas anticiper.

La posture d'ouverture est importante. Je parlais d'idée préconçue à l'instant: c'est souvent un piège qui nous empêche d'écouter. On veut "pousser" nos idées, ce qu'on pense que notre personnage veut, et ce qu'on pense qu'il doit se passer dans l'histoire.

Connaître les circonstances du scénario et de l'histoire du personnage sont des choses très importantes, on y reviendra au 4e critère.

Toutefois au moment de jouer, ce n'est plus le temps d'y penser. Ayez confiance en toutes vos recherches: elles ont nourri votre subconscient. Maintenant, vous voulez simplement écouter et réagir.

Chaque répétition, chaque audition, sera différente. Ce doit être toujours différent, en réalité: si vous êtes vraiment à l'écoute dans le moment présent, des subtilités apparaîtront. On y reviendra dans le point suivant.

L'autre chose dont il faut se méfier: l'anticipation.

Le jury voit que vous n'êtes pas à l'écoute si chaque réplique de votre partenaire est déjà présente dans votre tête avant qu'il ne la dise. Ou que la réplique qui suit est déjà programmée d'avance avant que vous ne la disiez.

Ne soyez donc pas trop absorbés par vous-même. Mettez votre attention sur le partenaire, et l'écoute de celui-ci!

Un autre piège, c'est le rythme / la posture "ta réplique - ma réplique - ta réplique".

Si on fait ça, on reste au niveau textuel, sans ajouter de vie. Dites vous que le texte a été écrit comme une retranscription de personnages qui parlent, qui sont vivants, qui agissent, qui ressentent.

Si le jury voit le texte qui se joue, plutôt que la vie de l'histoire de votre scène, il n'y a pas beaucoup d'écoute. Au contraire, si vous écoutez pour de vrai, votre jeu aura une autre texture, et votre scène prendra vie.

Dans la vie, on est toujours à l'intérieur d'un espace-temps. C'est celui autour de nous, selon notre perception.

En acting, l'espace dans lequel on joue est imaginaire. C'est à nous de le rendre réel.

Le temps, en acting, est toujours dans l'instant présent, immédiat. Tout ce qu'on fait, on le fait maintenant. C'est la même chose avec l'écoute.

En résumé, soyez très à l'écoute de:

L'autre.
-Il ne s'agit pas de se contenter d'entendre ce que l'autre dit, il faut être engagé pleinement, corps âme et esprit à ce que l'autre dit et à comment il le dit.
Vous-même.
-Sans être trop auto-absorbé, vous devez pouvoir être assez ouvert à votre propre ressenti afin d'exprimer à travers votre jeu comment vous vous sentez dans l'immédiat.
Le moment présent.
Pouvoir déterminer ce que vous avez envie de faire dans le moment présent. Si vous n'êtes pas à l'écoute de ce qu'il se passe, vous passerez à côté de vos pulsions intuitives.

Si vous combinez le deuxième critère - l'écoute active - avec le premier - oser - c'est là que vous allez pouvoir intégrer le troisième critère, qui est un grand différenciant: la spontanéité.

Critère 3 - La spontanéité - Vous, ici, maintenant

La spontanéité ne peut venir que lorsque vous vous trouvez dans un état d'écoute, de disponibilité, d'ouverture et de confiance.

Pour pouvoir être spontané, il faut pouvoir engager avec ses pulsions intuitives. Celles ci arrivent à nous à travers ce qu'on appelle généralement "l'inspiration artistique".

Pour pouvoir atteindre cet état, surtout en audition lorsque l'on est dans un grand moment de stress, il faut pouvoir réguler et canaliser son stress et son adrénaline, afin de transformer cette énergie en énergie créatrice.

Pour en savoir plus sur les étapes à suivre afin de se préparer au mieux et vous rapprocher de l'état recherché, ce sera à suivre dans l'article sur le stress des auditions dans les écoles de théâtre, à lire après celui-ci.

Être submergé par son stress empêche toute forme de spontanéité, et nous fait plutôt entrer en mode survie.

C'est lorsque vous mettez votre concentration sur des choses qui vous aident davantage (comme votre partenaire par exemple), que vous allez vous sentir plus en sécurité.

C'est cette sécurité qui va vous permettre d'explorer. Sans exploration, pas de spontanéité.

Vous pouvez par exemple vous demander ce que vous avez envie de faire, dans le moment. Ce n'est pas une question intellectuelle qui demande une réponse intellectuelle, c'est quelque chose qui se ressent, qui se vit, et dont la réponse provient de signaux sensoriels.

On ne recherche pas l'impulsivité (vouloir ressentir quelque chose, peu importe quoi, et faire une action qui n'a aucun sens avec le contexte, et qui sert juste à vivre une sensation, n'importe laquelle), mais bien la pulsion intuitive.

Celle ci va être en lien avec l'écoute. Si vous écoutez votre partenaire pour de vrai, si vous vous écoutez vous-même pour de vrai, et si vous engagez directement, spontanément, avec comment vous réagissez, comment vous vous sentez, ce que vous avez envie de faire dans le moment, alors vous allez produire un résultat unique, réel, et ô combien précieux!

Il faut également pouvoir accepter l'imprévisible. Ne pas prévoir, ne pas chercher à l'avance ce qu'il va se passer dans les prochaines secondes. Ne pas réfléchir, mais plutôt: agir!

Selon moi, c'est le critère qui est le plus différenciant avec l'écoute. Si un candidat n'ose pas, ou n'écoute pas, généralement ce candidat ne passe pas les différents tours.

Si les candidats qui ont une bonne écoute et ne sont pas figés par leur stress sont pris en deuxième audition, il leur faudra quelque chose en plus pour espérer entrer à l'école.

Cette chose? La spontanéité!

La mise en scène seule ne vous aidera pas nécessairement. Vous devez ajouter votre touche d'unicité dans votre travail. Et cette unicité se trouvera naturellement lorsque vous êtes spontanés.

En résumé, il faut:

Canaliser son énergie, accepter l'imprévisibilité, explorer;

Ne pas réfléchir intellectuellement, mais plutôt réagir à votre partenaire et s'engager sensoriellement dans la situation;

Reconnaître ce que vous avez envie de faire dans le moment présent, apprivoiser vos "pulsions intuitives", et autoriser ce qui monte en vous à s'exprimer directement.

Trouver un coach qui saura reconnaître vos élans de spontanéité, vous aider à les exprimer avec liberté tout en restant dans la logique de la scène, est un véritable atout.

Rappelez-vous: le jury veut voir le diamant brut en vous. Et votre spontanéité est un des meilleurs moyens pour exprimer cette partie de vous que personne d'autre ne possède.

Critère 4 - Plonger dans les circonstances imaginaires

Il s'agit là non seulement d'un différenciant, mais également d'un moyen pour vous concentrer et échapper au regard des juges.

Quand je parle de "plonger" dans les circonstances imaginaires, c'est vraiment la sensation recherchée. Être engagé dans le monde de votre personnage avec la trinité corps-âme-esprit.

Cela regroupe plusieurs choses:

Connaître les circonstances données de l'histoire, à partir du scénario

Se sentir dans votre lieu

Utiliser ce qui est présent avec vous dans le moment

Rendre son travail personnel

1-Connaître les circonstances données de l'histoire

J'en parle davantage dans la première partie de mon article sur le stress.

C'est à partir du scénario que vous allez découvrir et déterminer les circonstances de vie de votre personnage.

On parlait de posture d'ouverture plus tôt, ça vaut aussi pour l'analyse de votre texte. Vous ne voulez pas jouer vos idées préconçues, mais plutôt toujours chercher à découvrir la vérité du moment. Et le connecter au sensoriel, à vos sens, pour le rendre réel.

Alors découvrez le cadre de vie du personnage à partir du scénario, mais ne soyez pas trop rigide avec les découvertes que vous allez y faire, surtout à prime abord.

Idéalement, vous lirez votre scénario de nombreuses fois pendant le processus, et à chaque fois vous allez découvrir des éléments nouveaux qui vont apporter à votre jeu, nourrissant votre subconscient.

Pour appliquer ces éléments à votre jeu, il faut pouvoir les essayer physiquement, sensoriellement, dans vos pratiques. Ces découvertes doivent prendre vie, et la vie, comme le jeu, est une expérience sensorielle.

C'est là que vous allez pouvoir découvrir le deuxième point.

2-Vous sentir dans votre lieu

Lors de vos répétitions et de votre travail à la maison, vous allez vouloir créer le monde de votre personnage, incluant de lieu dans lequel la scène se passe.

Grâce notamment à la mémoire sensorielle (je l'aborderai dans un futur article; ce sont des exercices que je transmets en coaching) vous pouvez vous plonger complètement dans le monde imaginaire de la scène.

Ce qui permet non seulement d'avoir une vraie sensation d'engagement avec les circonstances de la scène, mais cela vous permet aussi de ne pas vous concentrer sur les juges pendant que vous travaillez.

Ce qui m'amène au 3e point.

3-Utilisez ce qui est avec vous dans le moment

Votre lieu, votre partenaire, vos pulsions intuitives, et, si vous en avez, vos accessoires. Ces derniers sont d'ailleurs un bon moyen de se ramener sensoriellement au monde du personnage.

Vous commencez à voir les choses essentielles à connecter ensemble pour pouvoir se démarquer lors de vos auditions dans les écoles.

Trop se concentrer sur le passé de votre personnage, sa dynamique de vie, les émotions que vous pensez qu'il vit, vous éloigne du moment présent, et sont des choses, au fond, trop intellectuelles pour être utilisables dans un moment où on essaye d'être vrai et spontané.

C'est la même chose que d'utiliser ses idées préconçues du personnage ou des circonstances données. Laissez-vous aller à la vérité du moment, et ce qui se trouve immédiatement autour de vous, visible ou sensoriel.

J'ajouterai un dernier point ici.

4-Rendre votre travail personnel.

Vous voulez développer votre unicité, que ce soit dans ce processus mais aussi votre carrière par la suite.

Pour ce faire, vous avez besoin de connecter tous ces points (l'écoute, la spontanéité, les circonstances de vie du personnage) à vous.

Il faut que ça vienne vous toucher personnellement. Évidemment on sait qu'on est en train de jouer un personnage, mais si vous ne cherchez pas de vraies sensations, alors il manquera un petit quelque chose à votre jeu.

Même si vous travaillez beaucoup votre personnage et qu'il finit par être une version modifiée de vous-même, il aura malgré tout vos bras, vos jambes, votre timbre de voix, vos mains, bref: il prend ses origines de vous!

Sans aller dans la mémoire affective - où on veut associer des souvenirs personnels et les appliquer directement à la situation en faisant une substitution - vous devez au moins vous connecter à des sensations. Qu'elles se soient vraiment passées dans votre vie ou que vous les ayez crées à partir de votre imagination.

Rendre votre travail personnel, que l'histoire que vous présentez devant le jury vous touche pour de vrai, c'est quelque chose qui va vous différencier pour sûr des autres candidats.

Ce sont évidemment des points que j'enseigne beaucoup dans mes coachings avec mes étudiants. Le plus important reste de mettre en pratique tous ces points et ne pas demeurer dans la théorie ou le rationnel.

En résumé pour le monde du personnage:

C'est le plus dur à créer. Mais c'est quelque chose qui vous démarque de manière certaine de la grande majorité des candidats.

Si vous arrivez à construire le monde du personnage et à l'apporter avec vous en audition, alors les juges seront immédiatement absorbés par votre audition et s'en rappelleront longtemps.

Il existe de multiples manières de répondre aux critères du jury et d'entrer dans une école de théâtre. Toutefois si vous cochez les quatre critères précédents, vous n'entrerez probablement pas si vous n'avez pas le dernier.

Un jury d'auditions pour les écoles de théâtre — Le jury peut être une distraction. Vous devez diriger votre attention ailleurs!

Critère 5 - La passion

La passion, c'est le fondement de votre créativité.

C'est grâce à votre passion que vous allez avoir la volonté de travailler sur tous les points précédents. C'est grâce à la passion que vous vous présentez devant le jury en espérant être parmi les 12 élèves reçus sur les 250-350 candidats.

C'est la passion qui fera en sorte que les candidats qui n'ont pas été reçus une première fois vont retenter l'expérience (j'en fais partie!).

Votre passion va générer une curiosité, une volonté de plonger un peu plus loin dans la découverte, avec une certaine forme de plaisir.

C'est un point différenciant: ce qui semble facile pour vous, grâce à la passion que vous y mettez, sera en réalité du travail pour une personne moins animée par cette passion pour le jeu d'acteur.

C'est un moteur très puissant, qui ajouté à toutes les recherches, préparations et points d'importance abordés précédemment, va rendre possible en bout de ligne votre sélection dans une école.

Dites-vous que c'est un des éléments que les professeurs regardent particulièrement au stage, où ils ont l'opportunité de vous regarder jouer, créer, explorer de plus près.

Bien sûr, au stage, les autres critères s'appliquent toujours, surtout les trois premiers. Mais s'ils sentent la passion chez vous, ça va leur donner encore plus envie de vous sélectionner!

Méfiez-vous donc de la nonchalance. Je ne parle pas ici d'un trait de caractère plus "en retrait" ou "introverti", qui ne serait pas problématique du tout.

Je parle de se lever en dernier lors d'un exercice en stage, je parle de ne pas avoir d'intérêt ou de curiosité envers un atelier spécifique ou un domaine ou un cours qui vous attire moins.

Ces choses là se sentent, c'est logé dans notre inconscient. Alors pensez à nourrir votre passion pour qu'elle rayonne sans même que vous n'ayez à faire d'efforts.

Pensez aussi à vous méfier de la complaisance: même si vous êtes passionnés, une audition réussie dans une école ne garantit pas un succès dans une autre école. Pensez à bien rester concentrés et à ne pas négliger votre préparation le jour même!

En résumé, la détermination, la volonté, la motivation, c'est ça, au fond, la fondation nécessaire pour entrer dans une école de théâtre.

Conclusion - Top 5 des critères d'un jury d'auditions en école de théâtre - Comment vous différencier

Si vous souhaitez mettre toutes les chances de votre côté pour intégrer une école de théâtre, il vous faudra absolument remplir les cinq critères pour le jury des auditions:

Oser, foncer, jouer libérés, sans chercher à "paraître", mais à vivre

Écouter, vraiment être attentifs à ce qu'il se passe dans le moment présent

Être spontanés, reconnaître et engager avec ses pulsions intuitives, faire ce qu'on a envie de faire dans le moment présent

Créer le monde de son personnage, et plonger sensoriellement dans les circonstances imaginaires, rendre son travail personnel

Nourrir sa passion, pour rendre plus facile l'intégration des autres critères, et vous donner une aura supplémentaire le jour de l'audition

Ce sont, au fond, les bases d'un jeu vrai. Une véritable écoute, des sensations, intuitions qui viennent à vous pour de vrai, et une vraie connexion avec votre partenaire.

C'est cette vérité que le jury va percevoir et apprécier. C'est à partir de cette vérité qu'ils vont travailler avec vous, une fois entrés à l'école.

Votre préparation doit donc développer votre sens de la vérité pour que ces critères puissent être visibles librement, sans même avoir à forcer quoi que ce soit.

L'avantage de ces cinq critères, c'est qu'ils n'ont pas de fin. Peu importe où vous commencez, vous pourrez toujours aller plus en profondeur, travailler davantage vos qualités et transformer ce qui vous ralentit en force qui vous aidera à passer chaque étape.

Il y a bien sûr d'autres critères qui constituent d'autres points à travailler. J'en parle notamment dans mon article sur la formation de l'acteur, je vous invite à le consulter, et de porter une attention particulière sur les muscles que l'acteur doit travailler. Vous y verrez un lien complémentaire avec ce que j'ai abordé dans cet article.

Personnellement, il est capital dans mes coachings pour les auditions des écoles de théâtre de vous permettre de développer ces capacités. Ce sont des points centraux nécessaires pour espérer intégrer une école.

J'ai moi-même dû passer par ce chemin lorsque j'étais étudiant. Je sais exactement dans quoi vous vous lancez et le chemin à parcourir pour apporter de la profondeur à son jeu.

Pour conclure, il est absolument possible de cocher les cinq critères, même si vous avez l'impression de partir de loin.

Cela requiert de l'entraînement, de la régularité, et de la volonté, mais vous serez surpris du résultat!

Je vous invite à me contacter si vous souhaitez en savoir plus sur les coachings que je propose. Vous pouvez également réserver un appel gratuit de 20 minutes pour qu'on puisse en discuter ensemble!

Découvrez également les témoignages de mes anciens étudiants qui sont entrés dans les écoles.

Note:

Trois des six écoles vont beaucoup changer à la rentrée 2026-2027. Je vous invite à consulter mon article de présentation des écoles de théâtre pour vous faire une idée des cours proposés et des améliorations de chaque établissement.